Rien de tout ça ! La Micronésie c’est un ensemble d’îles situées à l’est des Philippines, que les explorateurs du 19^e ont nommées ainsi pour les distinguer d’autres îles : les polynésiennes, et les mélanésiennes.

Si on en croit les magnifiques dessins et estampes de Paul Jacoulet, il fait bon vivre dans ces îles des mers du sud…

Qui est Paul Jacoulet ? C’est un dessinateur, maître de l’estampe et ethnographe à ses heures. L’exposition qui lui est consacrée au Quai Branly, est une superbe découverte ! Au travers de ses délicates aquarelles et ses estampes aux couleurs vives, on fait un voyage surprenant en Océanie, mais aussi en Corée et au Japon.

Une aversa à Metalanim, Panape, Est Carolines 1935

C’est d’ailleurs au Japon que Paul Jacoulet fait ses classes. Au début du 20e siècle,  le jeune Paul s’y installe avec ses parents et y apprendra le dessin, la peinture classique japonaise et les techniques traditionnelles de la gravure sur bois.

Danses d'Oseka, Sado, Japon Paul Jacoulet 1952 Gravure sur bois polychrome

En 1929 il rencontre à Tokyo un jeune garçon de Truck.  « Qu’est-ce que c’est que ce Truck lui demande Jacoulet ? ! ». Quelques mois plus tard, à l’invitation de son nouvel ami, Jacoulet découvre l’île de Truck. Commence alors un long périple dans les mers du sud : Saipan, les îles Carolines… Comme Gauguin en Polynésie, Jacoulet est fasciné par les autochtones et leurs mœurs exotiques, et dessine sans relâche tout ce qu’il voit. 

Basilio, jeune garçon de Saipan tenant des coquillages, Mariannes 1934

Il paraît que Paul Jacoulet donne une image idéalisée des paysages de Micronésie et que ses personnages masculins ont des langueurs, qui sont plutôt fantasmées que réelles… Pourtant on est frappé par la précision de certains détails : les tatouages qui permettent d’identifier l’appartenance aux clans, les fleurs qui rappellent les ouvrages  de botaniques du 19^e…

Femme tatouée de Falalap, Ouest Caroline 1935

C’est de cet étrange mélange entre voyage rêvé et observations ethnographiques que les dessins de Jacoulet tirent leur beauté. Il a d’ailleurs connu une très grande renommée… sauf en France, où pour des raisons obscures, aucun musée n’avait jamais présenté son travail. Aujourd’hui, le musée du quai Branly répare cette erreur et c’est pour les pauvres petits parigots transis de froid que nous sommes, l’occasion de faire une délicieuse ballade en pirogue sous une brise tropicale.

Le jeune chef Saragan et son esclave forum, Tomil Yap 1949 Paul Jacoulet

Un artiste voyageur en Micronésie. L’univers flottant de Paul Jacoulet. Du 26 février au 19 mai 2013 au Musée du Quai Branly

La Liberté guidant le peuple a quitté Paris pour Lens, où elle trône dans le nouveau Louvre. Pour faire un petit clin d’œil à l’œuvre de Delacroix, je vous propose une interview filmée de cette grande dame, figure de notre République.

L’exposition L’art en guerre 1938-1947, de Picasso à Dubuffet nous plonge dans les tourments créatifs et moraux de  Picasso, Ernst, Dali…

On y retrouve des résistants, des exilés, des internés et des collabos. Et toujours une inextensible envie de créer malgré le marasme ambiant.

Tout commence avec l’exposition internationale du surréalisme de 1938. C’est une « bombe », l’expression d’un cauchemar à venir. André Breton entouré de Paul Éluard, Duchamp, Dalí, Ernst, Man Ray, Paalen, Tanguy, Arp, Domínguez, Miró… livrent leurs visions effrayantes et prémonitoires.

Dès 1940, Vichy s’attaque systématiquement aux « forces de l’anti-France ». Républicains espagnols, juifs apatrides, opposants au régime fasciste, franc-maçon, déserteurs allemands, sont un danger pour le nouvel ordre totalitaire. 600000 personnes sont internées dans près de 200 camps de concentration en France.  Dans ces camps, la création artistique est un élan vital. Avec des outils de fortunes (cire, ficelles, emballages), les hommes et les femmes expriment leur désarroi et rendent compte de leur détention.

L’exposition consacre à Picasso une salle entière. Ostracisé pour son art « dégénéré » et son soutien aux républicains espagnols, Picasso refuse l’exil et peint sans relâche dans son atelier parisien. Il prouve ainsi la vérité de sa célèbre formule : «Non, la peinture n’est pas faite pour décorer les appartements. C’est un instrument de guerre offensive et défensive contre l’ennemi. »

Enfin, il y a ceux qui ne reviendront pas des camps, comme Charlotte Salomon. Elle a peint plus de 700 gouaches qui racontent sa vie avant et pendant la guerre. Arrêtée puis déportée à Auschwitz, elle a juste le temps de livrer ses dessins à un ami en lui disant : « Prenez-en soin, c’est toute ma vie  ».

Vous l’aurez compris, c’est une exposition très forte qui mêle subtilement oeuvres d’art et documents d’archives.

Parmi eux, j’ai notamment retenu une citation du ministère que la propagande du Reich de 1940 qui fait froid dans le dos. Je vous laisse apprécier la prophétie … :

« L’Allemagne ne conclut pas avec la France une paix « chevaleresque ». L’Allemagne ne considère pas la France comme une alliée, mais comme un Etat avec lequel les comptes seront réglés lors du  traité de paix. A l’avenir, la France jouera en Europe le rôle d’une « Suisse agrandie » et deviendra un pays de tourisme, pouvant éventuellement assurer certaines productions dans le domaine de la mode. (…) Toute forme de gouvernement paraissant propre à restaurer les forces de la France se heurtera à l’opposition de l’Allemagne. En Europe, seule l’Allemagne décide.»

L’art en guerre 1938-1947, de Picasso à Dubuffet au Musée d’Art Moderne de Paris jusqu’au 17 février 2013

D’autre part, la bohème des artistes du XIXe.

Certes, l’expo est riche, scénographiée selon la mode du moment : on traverse un décor de bistrot montmartrois ou un atelier d’artiste bohème.

On y voit de très belles oeuvres. Notamment, la diseuse de bonne aventure de Georges de La Tour.

Mais la bohème qui nous est montrée au Grand Palais est un peu trop propre, jolie et lisse à mon goût. C’est un peu la bohème chic version Vanessa Paradis. D’ailleurs, on peu même écouter pendant l’expo une bande son réalisée par Béatrice Ardisson…  L’idée est bonne mais peut-être un peu éloignée de l’esprit de la bohème, non ?!

Cet été à Arles, j’ai vu la fantastique exposition de photos de gitans prises par Koudelka. Koudelka a passé  de nombreuses années avec les gitans. Errant de pays en pays, avec son appareil photo pour seul bagage, il a fini par se fondre avec son sujet.

On entend les violons, les cris des gamins, le vent qui pousse toujours ailleurs.

Ces photos restituent à la fois la fougue et la démesure des gitans mais aussi la liberté de Kouldeka. La vraie bohème !

Bohèmes Grand Palais Galeries Nationales du 26 septembre 2012 au 14 janvier 2013

Josef Koudelka « Gitans » 1968 ed. Delpire (rééditée en 2011)

Il trônait là, paisible, serein, sûr de sa beauté. Ce fut le coup de foudre ! Comme je ne suis pas jalouse, je partage aujourd’hui avec vous le beau monsieur, oeuvre du grand sculpteur Praxitèle.

Pour ceux qui n’auraient pas la chance d’aller à Olympie, on peut voir au Louvre des copies romaines des sculptures de Praxitèle. Notamment, l’Apollon Sauroctone. Bon, je dois vous l’avouer, il a beau s’appeler Apollon, il ne vaut pas mon Hermès ! Toutefois, c’est l’occasion d’admirer l’art de Praxitèle qui a révolutionné la statuaire grecque.

Hermès portant Dionysos enfant IVe siècle avant J.-C. Ronde-bosse, Original en marbre de Paros H. 2,12m sans sa base Musée d’archéologie, Olympie

Installation lumineuse « les gardiens du trésor » de Cedric Verdure au crédit municipal

Installation « Bubble your life » de Antoine et Nicolas dans la cour du musée des archives nationales

Illumination de Laurent Grasso : « du soleil dans la nuit »

Installation sonore de Michel Risse : « Jardin Sharawadji »

Architecture : Dominique Jakob & Brendan Macfarlane
Projection : « the future will last a very long time » de Katerina Jebb

Installation lumineuse de Jacqueline Dauriac « Suivez mon panache rose » sur les cheminées du centre multifilieres d’Ivry.
Installation lumineuse « un pont social dans un pont structurel » de OIDEM sur la passerelle Simone de Beauvoir.

Illumination Jussieu

Non, l’Islam dont je vous parle aujourd’hui c’est l’Islam lumineux qui s’est répandu pendant quatorze siècles, de l’Espagne à l’Inde de Nord. Celui d’Averroès, d’Avicenne, et des grands artistes calligraphes comme Soltân-‘Âli Machhadi.

On nous a rebattu les oreilles sur l’interdiction faite aux musulmans de représenter la figure humaine. Et en effet, même si ce n’est pas expressément stipulé dans le Coran, la tradition islamique considère la représentation de Dieu comme un acte idolâtre. Dessiner, la figure humaine c’est aussi un peu se prendre pour Dieu, le seul « qui peut donner la vie ». Donc, point d’images, mais des figures géométriques, d’une grande beauté abstraite qui invite à la méditation.

Pas d’images du tout dans la culture islamique ? Enfin… ce n’est pas si simple. Dans la sphère privée les principes sont plus souples. Les califes Omeyyades, qui étendent leur pouvoir de l’Indus à la péninsule Ibérique vers 700, apprécient fortement les images. Dans les palais, les harems ou les bains, les murs sont couverts de fresques. Dans ces lieux profanes, la representation est acceptée car elle n’est pas une menace spirituelle.

                     Le Livre des rois, Shâhnâmeh Chirâz, 1567. BNF

Et puis, il y a surtout la peinture d’illustration qui prend son essor au XIIIe siècle. C’est donc dans les livres que l’on trouve la peinture. Et c’est en Iran que cet art atteint des sommets. Dans ces merveilleux ouvrages, on y raconte les épopées des rois, les principes scientifiques, les histoires d’amour en vers où illustration et calligaphie ne font qu’un.

Les mogholes ouvrent au XVIe siècle une nouvelle ère pour la peinture islamique. L’empereur Akbar, grand amateur d’art, commande des copies de peintures européennes. Au contact de ces oeuvres nouvelles, les arts de l’Islam tendent vers plus de réalisme tout en gardant la poésie qui leur est propre.

Dans le nouveau département des arts de l’Islam du Louvre, on peut voir des miniatures, mais aussi des objets usuels et des éléments d’architecture. Autant de beautés qui nous montrent tout le savoir-faire de ces grands artistes. Allez-y ! On a l’impression d’avoir frotté la lampe magique d’Aladin  !

Il y a aussi la géniale expo virtuelle de la BNF autour des enluminures de l’Islam :  http://expositions.bnf.fr/islam/index.htm

Avez-vous déjà reçu un grand choc esthétique devant une lampe en coquillages ? Êtes-vous capable de rester en extase devant une enseigne de boucherie ou le motif d’un papier cadeau ? Vous pâmez-vous devant des logos de boîte de sardine ?

Si vous avez répondu oui à l’une de ces questions, vous en êtes !

Nous sommes nombreux  à vénérer secrètement ces petits objets du quotidien qui embellissent la vie de leur présence discrète. L’artiste Hervé di Rosa, qui collectionnent  depuis les années 60 les bateaux en bouteille a théorisé le concept d’art modeste.

L’art modeste, nous dit Hervé di Rosa, « c’est une cohorte hétéroclite de petits objets, d’images, d’installations, d’aménagement de jardin, de petites choses, d’images laissées-pour-compte, compagnons de la vie quotidienne, œuvres créées pour embellir la vie industriellement ou par la folle passion du premier venu et qui trouvent désormais une inespérée et  audacieuse consécration ».

Le territoire de l’art modeste est donc à la périphérie de beaucoup d’autres : art traditionnel, décoratif, graphique, religieux…

C’est « un art qui fait battre le cœur » et qui emprunte les chemins de la nostalgie, de l’enfance et de l’humour. Mais attention ! Pas un humour du second degré. Pas de kitch dans l’art modeste ! Juste l’envie de rendre la vie plus belle, sérieusement, avec application.

L’art modeste est à la lisière du sacro-saint « bon goût ». Pour ma part, j’adore sans honte : les papiers peints, les figurines en plastique, l’art postal, les emballages de clémentines… Et je l’avoue, j’ai mille fois plus d’émotions devant un panneau de coiffeur africain que face à un tableau de Antoni Tàpies.

Arthur Rimbaud lui-même, dans Alchimie du verbe le confesse : « j’aimais les peintures idiotes, dessus de portes, décors, toiles de saltimbanques, enseignes, enluminures populaires ; la littérature démodée, latin d’église, livres érotiques sans orthographe, romans de nos aïeules, contes de fées, petits livres de l’enfance, opéra, vieux refrains niais, rythmes naïfs ».

Et cet art modeste peut aller très loin…

Bon, je sais, les tatouages sur dents ou la peinture sur chat sont un peu difficiles d’accès. Vous noterez que le chat de la photo n’a pas l’air, lui non plus, totalement convaincu par ce superbe maquillage facial façon arc-en-ciel… pourtant, il saura gré un jour à son maître de l’avoir choisi comme muse… un peu comme Kiki de Montparnasse pour Man Ray.  Mais pardon,  je m’égare ! L’artiste modeste n’a que faire de la reconnaissance, de l’argent ou de la postérité ! Il œuvre tranquillement dans son coin pour le seul plaisir de faire « joli » et « agréable ».

C’est ce que je préfère dans l’art modeste. Il y a quelque chose de très fort, de très touchant dans cette volonté sans limites et sans normes de faire des objets plaisants, dans la marge, sans attendre de retour. D’ailleurs, en cadeau Bonux (à ranger aussi dans les objets d’art modeste…), un petit film maison, œuvre d’art cinématographique modeste s’il en est !

Le MIAM, musée d’art modeste est à Sète. www.miam.org

Et d’abord le maître : Martin Parr, qui depuis 30 ans jette un œil amusé sur nos voyages de masse.

Les temps ont changé. Dans mon « catalogue du Louvre illustré » datant de 1912 (un des premiers ouvrages du genre), je lis dans la préface de Monsieur Armand Payot, Inspecteur général des Beaux-arts : « Notre étonnement est toujours aussi grand, en parcourant notre admirable musée du Louvre, de le voir si peu fréquenté. (…) Parfois, sous la conduite d’un employé d’agence, des étrangers la parcourent et l’animent d’une rumeur passagère. Quant aux parisiens, ne l’y cherchez pas : on l’y voit peu ! ».

Aujourd’hui le Louvre c’est 8 millions de visiteurs par an !

Ici, que prenons-nous en photo ? La Joconde (dont il existe des reproductions  de qualité par millions) ou l’assurance de l’avoir vue ?

Je ne résiste pas à l’envie de citer encore Monsieur Armand Payot en 1912 : « A quoi tient cette indifférences de nos compatriotes pour les musées ? Serait-ce inaptitude à apprécier les œuvres d’art ? Je ne le pense pas, les Français ayant d’instinct le goût du Beau … ». Ah l’instinct du bon goût français ! D’ailleurs, les touristes étrangers ne s’y sont pas trompés, qui tous « Love(nt) Paris ».

Que faisait-on avant d’avoir des appareils photos ? On regardait avec nos yeux peut-être !

Finalement, le vrai plaisir n’est-il pas dans la contemplation de soi ?

Même les Franciscains n’y résistent pas ! ( A lire pour ceux que ça intéresse mon interview de Saint François d’Assise).

Bon, les vacances c’est aussi l’occasion de se retrouver avec les autres…

Et comme le dit Gabin l’année des premiers congés payés : « Y’a pas besoin , pour trouver un coin, où l’on se sente bien, d’aller si loin. »

Gerhard Richter est le peintre allemand le plus connu dans son pays, et ce, pour diverses raisons.

D’abord, il est né à Dresde en 1932 d’un père (à moitié) nazi. Sa tante, une handicapée mentale a  été victime des programmes d’Eugénisme du IIIe Reich. Après la seconde guerre mondiale, Richter s’est retrouvé entre les deux Allemagne. Enfin, il a pris un avion pour New-York le matin du 11 septembre 2001…

Bref, sa vie c’est toute une Histoire, dont il se sert dans sa peinture. Il peint ses proches : sa fille, sa tante malade… mais aussi des évènements historiques : le pilonnage de Dresde, la bande à Baader, la société de consommation …

Gerhard Richter doit aussi sa notoriété à l’utilisation qu’il fait de la photo. Ses tableaux sont peints à partir de ses propres photos ou des photos de presse. Elles sont dupliquées à l’aide d’un procédé classique : le quadrillage des photos, agrandies grâce à un épiscope puis recopiées sur un support. Enfin, Richter frotte la peinture avec une brosse pour donner cet effet de flou.

Mais ce qui est bien avec Richter c’est qu’il ne s’interdit rien : abstraction, néo-réalisme… Tous les courants ou presque passent par son pinceau, son racloir ou sa palette. « Je n’obéis à aucune intention, à aucun système, à aucune tendance ; je n’ai ni programme, ni style, ni prétention. J’aime l’incertitude, l’infini et l’insécurité permanente. » écrit-il.

D’ailleurs l’exposition au Centre Georges Pompidou, qui est un panorama du travail de Richter m’a d’abord prise au dépourvu. Tous ces styles, ces « tentatives » peuvent donner un aspect décousu et foutraque de son œuvre. Pourtant, en m’attardant dans l’expo j’ai été peu à peu gagnée par la singularité et la cohérence de ses tableaux. Avec un peu de temps et de contemplation on pénètre dans l’espace intérieur du peintre, fait de paysages brumeux, de visages aux contours floutés, de nuages qui font des vagues et de vagues qui ressemblent au ciel…

Richter nous offre ses visions à la frontière du réel, comme le faisait Vermeer.

Aller voir cette exposition c’est donc faire un voyage dans le temps (qui ne serait ni le passé, ni le futur …), avec des lunettes mal réglées !  Avis aux amateurs !

PS : Si vous n’êtes ni jeunes (moins de 18ans), ni aux Beaux-arts, il vous en coutera 13 euros… Pour info le musée est quand même gratuit le premier dimanche du mois.

L’exposition a lieu du 6 juin au 24 septembre 2012 au Centre Georges Pompidou. On peut aussi admirer les dessins et aquarelles de Gerhard Richter au Louvre jusqu’au 17 septembre